Mary Reyt

Sectorial de Informática del Ministerio de Gobierno y Reforma del Estado - Santa Fe

2011-12-21T09:07:00.000-03:00


Dibujo con mis compañeros de trabajo realizado en Grafito

Fellini

2011-11-24T23:19:00.000-03:00

Pastel

Borges

2011-11-24T23:17:00.000-03:00

Óleo

Edith Piaf

2011-09-26T22:35:00.001-03:00

Edith Piaf (Pastel)

Edith Piaf (Grafito)

Krzysztof Kieślowski

2011-03-20T14:49:00.000-03:00

Krzysztof Kieślowski (Varsovia; 27 de junio de 1941 - ídem; 13 de marzo de 1996); director y guionista de cine polaco.

Biografía

Sean Penn

2011-01-02T20:02:00.000-03:00

Lápiz Carbón sobre Papel Romaní

Bruce Willis

2010-12-29T20:39:00.002-03:00

Cari y el viento...

2010-12-25T11:34:00.000-03:00

Grafito 6b sobre papel Romaní

Marcello Mastroianni

2010-12-19T00:53:00.002-03:00

Nacido en Fontana Liri, una pequeña población de los Apeninos, Mastroianni se crió en Turín y Roma. Durante la Segunda Guerra Mundial fue recluido en un campo de concentración nazi, pero logró escapar y permaneció escondido en Venecia hasta que pasó el peligro.

En 1945 comenzó a trabajar como figurante para una compañía cinematográfica a la vez que tomaba lecciones de interpretación, pero hasta 1947 no debutó en la gran pantalla; fue con I Miserabili, adaptación de la novela de Víctor Hugo.

En muy poco tiempo Marcello Mastroianni se convirtió en una estrella gracias a sus interpretaciones en I Soliti Ignoti, de Mario Monicelli y, sobre todo, a que Federico Fellini le escogió para protagonizar su La Dolce Vita junto a Anita Ekberg que, a pesar de su pequeña presencia en la película, fue un considerable reclamo publicitario. La colaboración con Fellini, a la larga tan fructífera, continuó en Ocho y Medio, en la que Mastroianni interpretaba a un director de cine frustrado y mujeriego, Guido Anselmi, marcado con inequívocos rasgos autobiográficos del propio Fellini.

En 1948 se produjo su boda con la actriz italiana Floriana Clarabella, de la que tuvo una hija —Bárbara— y que le acompañó hasta el fin de sus días, como también lo hizo Catherine Deneuve, su famosísima amante y madre de Chiara Mastroianni, la segunda de sus hijas.

Formó una de las parejas cinematográficas más conocidas junto a la también italiana Sofia Loren. Ambos entregaron en 1992 un Óscar honorífico a Federico Fellini.

Aprendiendo de los grandes...

2010-12-12T01:47:00.001-03:00

Enrique Pinti

Chaplin

Elvis

Dibujos que hice hace muchos años, supongo que copiados de revistas. No son creaciones mías y lamentablemente no recuerdo el nombre de los autores de los mismos para mencionarlos. Gracias de todas formas por ayudarme a aprender.

Tita de Buenos Aires

2010-10-24T13:25:00.001-03:00

Tita Merello

Laura Ana Merello, conocida como Tita Merello (Buenos Aires, 11 de octubre de 1904 - Buenos Aires, 24 de diciembre de 2002) fue una actriz y cantante de tango argentina. Falleció a los 98 años.

Considerada una de las mejores actrices dramáticas del país, trabajó en Argentina y durante un largo exilio, en México, donde filmó Cinco rostros de mujer, por la cual recibió el premio Ariel. Participó de la Época de Oro del cine argentino, consagrándose con películas de los años 1940 y 1950 como Mercado de abasto, Deshonra, La morocha o Filomena Marturano. Con 33 títulos en su haber, ha recibido una gran cantidad de premios.

Incursionó en todos los medios: televisión, radio, cine y teatro, donde se destacó. Fue declarada "Ciudadana Ilustre de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires" a principios de los 90.

Durante su período de esplendor, fue relacionada artísticamente con las extranjeras Bette Davis y Anna Magnani. Fue una de las cantantes surgidas en la década de 1920 que, junto con Azucena Maizani, Libertad Lamarque, Ada Falcón, Mercedes Simone y Rosita Quiroga, crearon la modalidad vocal femenina en el tango. Nacida en uno de los barrios más antiguos y relevantes de Buenos Aires y sin estudios, se inició en el medio teatral.

Al momento de su muerte, contaba con más de 30 películas filmadas, 20 obras teatrales estrenadas, 9 actuaciones televisivas, 3 ciclos radiales y varias participaciones en la revista y en TV como cantante. Fue dirigida por prestigiosos directores como Daniel Tinayre, Mario Soffici o Lucas Demare.

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Retrato: Grafito 6b sobre papel Romaní

2010-09-07T19:22:00.002-03:00

Isak Dinesen

2010-08-16T18:54:00.005-03:00

"Amar tu destino incondicionalmente es la mejor forma de ser feliz"

Karen Christence Blixen-Finecke, más conocida por su pseudónimo Isak Dinesen

( 1885 / 1962 )

“Memorias de África” su obra mas conocida, (que fuera oscarizada en el cine), se basa en su apasionado romance con el cazador británico Denys Finch Hatton, que murió trágicamente en 1930 debido a un accidente de avioneta.

Sus experiencias personales en Kenia (enfermedad, divorcio, bancarrota, amor, etc ) dejarán una profunda huella tanto en su vida como en su excelente obra.

Biografía

Dustin Hoffman ("Louis Dega" - Papillon)

2010-08-04T19:52:00.003-03:00

Papillon (1973) de Franklin J. Schaffner

Robert Downey Jr.

2010-07-21T23:54:00.000-03:00

Biografía

Nosferatu

2010-07-09T01:25:00.001-03:00

Hitchcock

2010-05-30T10:12:00.005-03:00

Biografía

Steve McQueen

2010-05-19T19:50:00.001-03:00

Ron Perlman: Salvatore (El Nombre de la Rosa)

2010-05-11T19:27:00.006-03:00

"Que pacifica sería la vida sin amor Adso. Que segura. Que tranquila. Y que insulsa".

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Thomas Bernhard

2010-04-26T19:46:00.004-03:00

"Una construcción de cemento no es sino un castillo de naipes. Basta que llegue la ráfaga precisa"

(Thomas Bernhard - Austria, 1931-1989)

Biografía

"Los Maestros Antiguos" (fragmento)

[…] Si contemplamos un cuadro bastante tiempo, aunque sea el más serio, tenemos que caricaturizarlo, dijo, para soportarlo, y así tenemos también que convertir a nuestros padres en caricaturas, a nuestros superiores, si los tenemos, en caricaturas, al mundo entero en caricatura, dijo. Mire usted bastante tiempo un autorretrato de Rembrandt, cualquiera, y se le convertirá a la larga, con toda seguridad, en caricatura, y se apartará de él. Mire usted bastante tiempo el rostro de su padre, y se le convertirá en caricatura y se apartará de él. Lea a Kant con insistencia y con más insistencia aún y de pronto le dará un ataque de risa, dijo. Al fin y al cabo, todo original es ya en realidad, en sí, una falsificación, dijo, ya comprende lo que quiero decir. Naturalmente, hay fenómenos en el mundo, en la naturaleza, como usted quiera, que no podemos ridiculizar, pero en el arte se puede ridiculizar todo, todo hombre puede ser ridiculizado y convertido en caricatura si queremos, si lo necesitamos, dijo. Eso, si estamos en condiciones de ridiculizar, no siempre estamos en condiciones, y entonces se nos lleva la desesperación y luego el diablo, dijo. Da igual qué obra de arte, puede ser ridiculizada, dijo, que se le presenta a uno como grande y, en un instante, uno la ridiculiza, lo mismo que también a un ser humano, al que hay que ridiculizar porque no se puede hacer otra cosa. Pero la mayoría de los seres humanos son realmente ridículos, dijo Reger, y uno se ahorra el ridiculizarlos y la caricatura. La mayoría de los seres humanos, sin embargo, son incapaces de caricaturizar, lo contemplan todo hasta el final con una terrible seriedad, dijo, y no se les ocurre la idea de hacer una caricatura, dijo."

Martin Feldman

2010-04-13T22:49:00.004-03:00

Alan Martin "Marty" Feldman (8 de julio de 1934, Londres - 2 diciembre de 1982) fue un escritor, comediante y actor británico que protagonizó una serie de programas de humor británico de televisión, incluyendo At Last Show de 1948, y Marty, que ganó dos premios BAFTA.

También actuó en varias películas como Young Frankenstein (El joven Frankenstein) donde encarnó al asistente jorobado Igor. Su rostro era notable por sus ojos saltones, una condición médica conocida como Exoftalmos causada por una enfermedad tiroidea conocida como Enfermedad de Graves.

Walt Whitman

2010-04-03T23:42:00.005-03:00

Biografía

Walt Whitman por Serrat

Hojas de Hierba (Fragmento)

" Creo que una brizna de hierba no es inferior a la jornada de los astros
y que la hormiga no es menos perfecta ni lo es un grano de arena...
y que el escuerzo es una obra de arte para los gustos más exigentes...
y que la articulación más pequeña de mi mano es un escarnio para todas las máquinas.
Quédate conmigo este día y esta noche y poseerás el origen de todos los poemas.
Creo en tí alma mía, el otro que soy no debe humillarse ante tí
ni tú debes humillarte ante el otro.
Retoza conmigo sobre la hierba, quita el freno de tu garganta.
(...)
Creo que podría retornar y vivir con los animales, son tan plácidos y autónomos.
Me detengo y los observo largamente.
Ellos no se impacientan, ni se lamentan de su situación.
No lloran sus pecados en la oscuridad del cuarto.
No me fastidian con sus discusiones sobre sus deberes hacia Dios.
Ninguno está descontento. Ninguno padece la manía de poseer objetos.
Ninguno se arrodilla ante otro ni ante los antepasados que vivieron hace milenios.
Ninguno es respetable o desdichado en toda la faz de la tierra.
Así me muestran su relación conmigo y yo la acepto.
(...)
No pregunto quién eres, eso carece de importancia para mí.
No puedes hacer ni ser más que aquello que yo te inculco. "

Charles Chaplin - Candilejas (Limelight)

2010-03-12T14:11:00.003-03:00

Candilejas es un film que produjo, dirigió y escribió Charles Chaplin en 1952. Así mismo, es el último que protagoniza este gran artista.

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"La vida puede ser maravillosa si no le tienes miedo"

Klaus Kinski (para mi amigo Damián)

2010-03-03T15:31:00.001-03:00

Klaus Kinski (18 de octubre de 1926 - 23 de noviembre de 1991) fue un famoso y controvertido actor alemán, muy vinculado al director Werner Herzog y considerado como la última gran estrella del cine alemán. Es padre de la actriz Nastassja Kinski.

Su auténtico nombre era Nikolaus Karl Günther Nakszynski; nació en Sopot, Ciudad libre de Dánzig, y murió en Lagunitas, California (Estados Unidos).

Fitzcarraldo

Fernando Pessoa

2010-02-28T21:25:00.002-03:00

Esta vez, un bosquejo rápido en sepia de otro gran escritor...

Y el mar en todo
Somos quienes no somos, y la vida es veloz y triste. El ruido de las olas por la noche es un ruido de la noche; ¡y cuántos lo han oído en su propia alma, como la esperanza constante que se deshace en la oscuridad como un ruido sordo de espuma profunda! ¡Qué lágrimas lloraron los que obtuvieron, qué lágrimas perdieron los que consiguieron! Y todo esto, durante el paseo en la orilla del mar, se me tornó el secreto de la noche y la confidencia del abismo. ¡Cuántos somos! ¡Cuántos nos engañamos! ¡Qué mares suenan en nosotros, en la noche de ser nosotros, por las playas que nos sentimos en los encharcamientos de la emoción! Lo que se ha perdido, lo que se debería haber perdido, lo que se ha conseguido y ha satisfecho por error, lo que amamos y perdimos y, después de perderlo, vimos, amándolo por haberlo tenido, que no lo habíamos amado; lo que creíamos que pensábamos cuando sentíamos; lo que era un recuerdo y creíamos que era una emoción; y el mar en todo, llegando allá, rumoroso y fresco, del gran fondo de toda la noche, a agitarse fino en la playa, en el decurso nocturno de mi paseo a la orilla del mar...
¿Quien sabe siquiera lo que piensa, o lo que desea? ¿Quién sabe lo que es para sí mismo? ¡Cuántas cosas sugiere la música y nos sabe bien que no pueda ser! ¡Cuántas recuerda la noche y lloramos, y no han sido nunca! Como una voz suelta de la paz tumbada a lo largo, el enrollamiento de la ola estalla y se enfría y hay un salivar audible por la playa invisible. ¡Cuánto me muero si siento por todo! ¡Cuánto siento si así vagabundeo, incorpóreo y humano, con el corazón parado como una playa, y todo el mar de todo, en la noche que vivimos, batiendo alto, zumbón, y se enfría, en mi eterno paseo a la orilla del mar. (Libro del desasosiego. Fragmento 250, La muerte del príncipe, publicado en el número 27 de presença 1930)

http://mgar.net/docs/pessoa.htm

Cortázar

2010-02-20T16:37:00.003-03:00

Un sencillo dibujo de este genial escritor hecho en una tarde de lluvia...

El futuro

Y se muy bien que no estarás.
No estarás en la calle
en el murmullo que brota de la noche
de los postes de alumbrado,
ni en el gesto de elegir el menú,
ni en la sonrisa que alivia los completos en los subtes
ni en los libros prestados,
ni en el hasta mañana.
No estarás en mis sueños,
en el destino original de mis palabras,
ni en una cifra telefónica estarás,
o en el color de un par de guantes
o una blusa.
Me enojaré
amor mío
sin que sea por ti,
y compraré bombones
pero no para ti,
me pararé en la esquina
a la que no vendrás
y diré las cosas que sé decir
y comeré las cosas que sé comer
y soñaré los sueños que se sueñan.
Y se muy bien que no estarás
ni aquí dentro de la cárcel donde te retengo,
ni allí afuera
en ese río de calles y de puentes.
No estarás para nada,
no serás mi recuerdo
y cuando piense en ti
pensaré un pensamiento
que oscuramente trata de acordarse de ti.

http://www.juliocortazar.com.ar/

Juan Manuel Fangio

2010-02-11T23:22:00.009-03:00

http://www.jmfangio.org/biografia.html

Conocido simplemente como "Maestro", este tímido argentino fue el primer hombre en ganar cinco Campeonatos Mundiales de Formula Uno, habiendo sido superado nada más que por Michael Schumacher. Manejando en una época de automóviles y valores distintos, su talento y calidad técnica siempre serán admirados en el mundo del automovilismo por haber establecido un estándar de excelencia que dificilmente pueda ser igualado.

Fuente: http://www.mibsasquerido.com.ar/xPersonajes07.htm

Bette Davis

2010-01-31T00:26:00.005-03:00

BETTE DAVIS

(1908-1989)

Nacida el 5 de abril de 1908 en Lowell,

Massachusetts (Estados Unidos), esta mujer de

grandes ojos y fuerte personalidad se convertiría

con el paso de los años en una de las más

importantes atrices que ha conocido el mundo del

cine, capaz de provocar con sus interpretaciones

todo un cúmulo de emociones que perviven y

pervivirán en públicos de pasadas, presentes y

venideras generaciones.

Fuente: http://www.alohacriticon.com/elcriticon/modules.php?name=News&file=article&sid=31

Herman Hesse

2009-12-01T21:05:00.005-03:00

Herman Hesse (Alemania, 1877-1962)

"La vida de todo hombre es un camino hacia sí mismo, la tentativa de un camino, la huella de un sendero.
Ningún hombre ha sido nunca por completo él mismo; pero todos aspiran a llegar a serlo, oscuramente unos, más claramente otros, cada uno como puede. Todos llevan consigo, hasta el fin, viscosidades y cáscaras de huevo de un mundo primordial.
Alguno no llega jamás a ser hombre, y sigue siendo rana, ardilla u hormiga.
Otro es hombre de medio cuerpo arriba, y el resto, pez. Pero cada uno es un impulso de la Naturaleza hacia el hombre. Todos tenemos orígenes comunes: las madres;
todos nosotros venimos de la misma sima, pero cada uno –tentativa e impulso desde lo hondo- tiende a su propio fin.
Podemos comprendernos unos a otros, pero sólo a sí mismo puede interpretarse cada uno."

Fragmento de Demian (1919)

http://www.epdlp.com/escritor.php?id=1822

Figuras

2009-11-22T20:17:00.000-03:00

Ordenando viejos dibujos me encontré con éste del año 99, vaya a saber qué intenté representar, probablemente nada como tantas veces que me divierto "jugando" con los pinceles y supongo, ahí radica todo (al menos para mi), disfrutar sin pensar tanto en si lo hago bien o no. Lo comparto con todos los amigos que generosamente visitan este blog. Un abrazo.

Woody Allen

2009-11-02T00:00:00.009-03:00

Annie Hall

Whatever Works Movie Trailer (2009): http://www.youtube.com/watch?v=QwQH1HwcBws

Manhattan: http://www.youtube.com/watch?v=cuU6XU0_Gfs

Los 7o's: http://www.youtube.com/watch?v=XChUYE1fIGI&feature=related

Everyone says I love you: http://www.youtube.com/watch?v=x5Ni9IglBEM

WOODY ALLEN (1935)

Tan amante de las peripecias humorísticas de los Hermanos Marx o Bob Hope como de las películas de Federico Fellini o Ingmar Bergman, Woody Allen ha dibujado con sarcasmo las pautas de comportamiento en su país, retratado con ironía los avatares sentimentales e intelectuales de la clase burguesa neoyorquina, homenajeado al mundo del espectáculo y diatribado sobre sus cuestiones predilectas: el sexo, Dios, el judaísmo y la muerte, ya sea, siempre de una privativa visión de autor, desde la farsa, la comedia agridulce, o el drama de inspiración bergmaniana.

Leer más: http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1615.html

Sebastián

2009-10-29T08:38:00.002-03:00

Una suerte de divertimento oficinesco luego de finalizar el curso de Javascript. En nuestro flamante pizarrón plasmé (al menos esa fue mi intención) el espíritu de uno de los profes (el otro es Damián del cual ya subiré similar estampa) en el momento en que se le pianta un lagrimón fruto de un gran esfuerzo por desasnar al alumnado. Paciencia Seba... lo estás logrando!!!!!

Albert Einstein

2009-10-21T09:35:00.002-03:00

Einstein, Albert (1879-1955)

El físico alemán-americano Albert Einstein, nacido en Ulm, Alemania, Marzo 14, 1879, muerto en Princeton, N.J., Abril 18, 1955, contribuyó más que cualquier otro científico a la visión de la realidad física del siglo 20.

Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, las teorías de Einstein -sobre todo su teoría de la Relatividad- le pareció a muchas personas, apuntaban a una calidad pura de pensamiento para el ser humano.

Raramente un científico recibe tal atención del público pero Einstein la recibió por haber cultivado la fruta de aprendizaje puro.

Seguir leyendo: http://www.portalplanetasedna.com.ar/einstein.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Albert_Einstein

http://www.biografiasyvidas.com/monografia/einstein/

Anthony Hopkins

2009-10-04T14:57:00.006-03:00

Lo que queda del día

http://www.youtube.com/watch?v=lb6IAdypaxw

The WolfMan - El Hombre Lobo (2010)

http://www.youtube.com/watch?v=71FqETf6Xxk&feature=player_embedded

Magic - 1978

http://www.youtube.com/watch?v=9dpZFqYBVSA&feature=related

El Hombre Elefante

http://www.youtube.com/watch?v=9--h92BjNzE

Sir Philip Anthony Hopkins CBE (n. 31 de Diciembre de 1937) Es un actor de Cine, Teatro y Televisión Británico. Considerado por muchos como uno de los mejores actores vivos. Es muy conocido por su interpretación del asesino en serie Dr. Hannibal Lecter en El silencio de los corderos (1991), su secuela Aníbal, y su presecuela Red Dragon. Entre otras de sus películas notables están El hombre elefante, Drácula de Bram Stoker, Leyendas de pasión, Lo que queda del día, Regreso a Howards End, La Máscara del Zorro, The World's Fastest Indian, Corazones en Atlántida, Nixon. Hopkins nació y Creció en Gales, en abril del año 2000 adquirió, además, la ciudadanía estadounidense. En 2003 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Durante su carrera ha ganado varios premios como el Óscar, El Emmy, El Globo de Oro y el BAFTA entre otros.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Anthony_Hopkins

Sunset Boulevard

2009-09-20T17:51:00.004-03:00

Director: Billy Wilder Año: 1950

Guión: Charles Brackett, Billy Wilder, Marshman Jr

Intérpretes: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson,Fred Clark, Lloyd Gough, Jack Webb

Película estadounidense de cine negro estrenada en 1950 y dirigida por Billy Wilder, quien fue también coautor del guión. Su título original proviene de la célebre avenida que atraviesa Los Ángeles y Beverly Hills. En castellano se estrenó con distintos títulos dependiendo de los países: como El ocaso de una vida (Argentina, México), como El ocaso de una estrella (Argentina).

La película narra la historia de una antigua estrella del cine mudo, Norma Desmond (interpretada por Gloria Swanson) que, incapaz de aceptar que sus días de gloria pasaron, sueña con un retorno triunfante a la gran pantalla, para el cual espera contar con la ayuda de Joe Gillis (William Holden), un guionista que se convierte en su amante. Otros intérpretes destacados son Erich von Stroheim, como el mayordomo de la estrella, y Nancy Olson. Varias figuras destacadas de Hollywood hacen cameos en la película: el director Cecil B. DeMille, la famosa columnista de cotilleos Hedda Hopper y tres celebridades del cine mudo, Buster Keaton, H. B. Warner y Anna Q. Nilsson.

En el momento de su estreno, Sunset Boulevard recibió grandes elogios de la crítica. Fue nominada a once Premios Óscar, aunque ganó solamente tres. Hoy día es considerada un clásico, y a menudo se la cita como una de las obras más relevantes del cine

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Sunset_Boulevard_(pel%C3%ADcula)

Práctica en Acuarela tomando como modelo una obra de Sorolla

2009-08-25T18:28:00.007-03:00

Acuarela: Boy Eating Grapes - Sorolla

Joaquín Sorolla y Bastida ( Valencia 1.860 - Cercedilla 1.923 ) fue un pintor español cultivador de ese género tan famoso y apreciado que llamamos impresionismo. Si bien nació cuando el movimiento en Francia estaba ya en pleno apogeo, por tanto sus pinturas son tardías, reúne todas las características que conocemos bien: gusto por el aire libre, búsqueda de lo momentáneo y fugaz, captación de los efectos de la luz, ausencia del negro y de los contornos, pinceladas pequeñas, sueltas e independientes.

La temática de Sorolla es variada pero dos temas son muy reiterativos: las playas y las costumbres y trajes populares.

En el primer caso, numerosos óleos nos muestran la arena, el agua, el cielo y los cuerpos desnudos de niños o vestidos de adultos en las playas de Valencia. En el segundo, la Hispanic Society de Nueva York encargó a Sorolla la representación de trajes regionales y la plasmación en lienzos de la cultura y fiestas populares de la España de la época.

Cuando contaba 18 años visitó el museo de El Prado y se sintió fascinado por la pintura de El Greco, Ribera y Velázquez. La casa-museo de Sorolla en Madrid expone gran número de cuadros y bocetos en lo que fue la residencia y el taller del pintor. La Hispanic Society de Nueva York reúne la colección de visiones de España por regiones. Como es posible que no tengas previsto visitar Nueva York o Madrid este fin de semana, la PINACOTECA COSSÍO te acerca varias obras de este genial maestro. Algunos críticos de arte han llegado a llamar a su impresionismo "luminismo" debido a la extraordinaria presencia de la potente luz mediterránea en sus obras.

Fuente: http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_02_03/sorolla.htm

Sus Obras: http://www.jdiezarnal.com/pintura/sorolla.html

GREAT ROMANIAN PERSONALITIES IN THE WORLD GRAPHIC ART edition 2008-2009

2009-08-22T15:51:00.003-03:00

http://www.personality.com.ro/argentina.htm

George Mihail Zamfirescu

Escritor rumano (1898, Bucarest - d. 1939)

Fuente: http://ro.wikipedia.org/wiki/George_Mihail_Zamfirescu

GREAT ROMANIAN PERSONALITIES IN THE WORLD GRAPHIC ART edition 2008-2009

2009-08-13T20:46:00.006-03:00

http://www.personality.com.ro/argentina.htm

Horea (Vasile Ursu Nicola)

Vasile Ursu Nicola, conocido como Horea. Nació en 1731 en Arada, cerca de Câmpeni, hoy en día Rumanía, y murió en 1785. Fue líder de la Revuelta de Horea, y Cloşca Crisan en 1784-85 en Transilvania. Después de la revuelta fue derrotado y ejecutado.

Fuente: http://en.wikipedia.org/wiki/Vasile_Ursu_Nicola

Caricatura - Lápiz Carbón

2009-08-12T23:02:00.006-03:00

GREAT ROMANIAN PERSONALITIES IN THE WORLD GRAPHIC ART edition 2008-2009

2009-08-03T22:33:00.013-03:00

http://www.personality.com.ro/argentina.htm

Ion Luca Caragiale

Ion Luca Caragiale (30 de enero de 1852, Haimanale, Prahova - 9 de junio de 1912, Berlín) fue un dramaturgo, periodista y escritor de cuentos cortos rumano. Es considerado uno de los mejores dramaturgos rumanos y fue elegido post-mortem miembro de la Academia Rumana.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Ion_Luca_Caragiale

GREAT ROMANIAN PERSONALITIES IN THE WORLD GRAPHIC ART edition 2008-2009

2009-08-01T18:34:00.013-03:00

http://www.personality.com.ro/argentina.htm

Mihai Eminescu

Mihai Eminescu o Mihail Eminovici (15 de enero de 1850 - 15 de junio de 1889) fue un poeta del romántico tardío. Posiblemente es el poeta rumano más conocido a nivel mundial, siendo sus obras más conocidas Luceafărul (El lucero o La Estrella de la Mañana), Mai am un singur dor (Solo tengo un deseo más), y 5 Scrisori (Las Cinco Epístolas).
Era un miembro activo de la Sociedad Literaria "Junimea", siendo además afiliado al Partido Conservador de Rumanía y periodista en "Timpul" (el periódico oficial del Partido Conservador).

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Mihai_Eminescu

Caetano

2009-06-22T22:58:00.015-03:00

"Final Feliz" - Caetano Veloso y Alexandre Pires

Un vestido y un amor

http://www.youtube.com/watch?v=dGWhs2IcI_M&feature=related

Capullito de alelí

http://www.youtube.com/watch?v=g99ZyVQpQkg

Fina Estampa

http://www.youtube.com/watch?v=haHeJ4XMepo

Caetano Veloso nació en 1942 en Bahía (Brasil).

Siendo todavía pequeño, su familia se mudó a Salvador, donde con el tiempo ingresó en la universidad para cursar estudios de arte.

Su primer álbum, titulado 'Caetano Veloso' tuvo un gran éxito fuera de Brasil en 1968 y le valió para recibir varios premios internacionales.

En 1969 grabó un disco en vivo, junto a su amigo Gilberto Gil.

El disco se tituló 'Barra 69'.

Caetano y Gilberto tuvieron que abandonar el país ese mismo año por motivos políticos y se exiliaron en Londres.

Allí bebió de las fuentes del rock que sonaba por Europa.

Su regreso a Brasil se produjo en 1972.Su actividad musical siguió generando nuevos discos, muchos de ellos en directo y con colaboraciones de amigos como Chico Buarque, Gal Costa y su hermana María Bethania.

Con estos últimos, junto a Gilberto Gil, formó un grupo con el que publicaron un disco titulado 'Doces Barbaros'.

En 1977 se publicó 'Bicho', un disco que tuvo ciertas influencias de la cultura nigeriana.

Además publicó una colección de poemas con el título de 'Alegría'.

En 1989 se publicó 'Estrangeiro', una mezcla de su música de siempre con los nuevos sones brasileños, como la bossa nova.

En 1987 publicó una recopilación de sus mejores temas y en 1991 vio la luz 'Circulado', uno de sus mejores discos.

Sus últimos trabajos han sido, hasta la fecha, 'Tropicalia 2' (1993), 'Fina Estampa' (2000) y 'Noites do Norte' (2001).

Fuente: http://www.todomusica.org/caetano_veloso/index.shtml

Harry Potter - Acuarela - Gama Fría

2009-06-20T13:38:00.002-03:00

Acuarela - Mi primer trabajo

2009-06-09T22:32:00.006-03:00

Experimentando por primera vez con acuarela en clases de Dibujo y Pintura dictadas por Ramiro Rossi. Un largo camino por recorrer...

Gerard Depardieu

2009-06-02T22:03:00.012-03:00

Gérard Depardieu - Caruso

Pot-pourri - Gérard Depardieu
http://www.youtube.com/watch?v=H-sUL_zn8aA

Vidocq

http://www.youtube.com/watch?v=wRhGMy7E_CU

Cyrano de Bergerac

http://www.youtube.com/watch?v=R5wBvyn9xoQ&feature=related

Gérard Xavier Marcel Depardieu nació el 27 de diciembre de 1948 en Chateauroux
(Francia) en el seno de una familia numerosa de escasos recursos
económicos.

En su niñez abandonó la escuela y se dedicó a la pequeña delincuencia callejera hasta que un amigo le condujo hasta la actuación teatral, estudiando en el Theatre Nacional Populaire y representando obras teatrales en el “Café de la Gare”.

A finales de los años 60 comenzó a aparecer en cortos y en películas para televisión. En 1970 debutó en el cine con el largometraje “Le cri du cormoran, le soir au-dessus des jonques” (1970), comedia dirigida por Michel Audiard.

El mismo año de su debut contrajo matrimonio con la actriz Elisabeth Guignot, con quien tuvo a dos hijos, Guillaume (fallecido en 2008) y Julie, ambos dedicados también
a la interpretación.

A partir de mediados de la década de os 70 Depardieu comenzó a interpretar papeles protagonistas, principalmente gracias a sus trabajos con Bertrand
Blier, con quien inició una larga colaboración con “Los Rompepelotas” (1974), film co-protagonizado por sus compañeros del Café de la Gare, Miou Miou y Patrick
Dewaere.

En los años 70 Depardieu también fue asiduo intérprete de los filmes vanguardistas dirigidos por la escritora Marguerite Duras.

Su participación en películas como “Novecento” (1976), título histórico dirigido por Bernardo Bertolucci que el actor francés co-protagonizó junto a Robert De Niro, “¿Quieres ser el amante de mi mujer?” (1978) de Blier, film ganador del Oscar al mejor film extranjero, o “Adios al macho” (1978), comedia dirigida por Marco Ferreri y escrita por Rafael Azcona le convertirían en uno de los intérpretes más destacados del cine
europeo, estatus confirmado con múltiples nominaciones a los premios César, consiguiendo la primera por “Siete muertes por prescripción
facultativa” (1975). Posteriormente y en la década de los 70 sería candidato al galardón francés por “La última mujer” (1976) de Marco Ferreri,
“Dites-Lui que je l’aime” (1977) de Claude Miller, o “Le sucre” (1978), thriller dirigido por Jacques Rouffio.

En 1980 conseguiría por fin el César por su interpretación en “El último metro” (1980), su primera colaboración con el maestro François Truffaut, con quien volvería a coincidir en “La mujer de al lado” (1981).
En los años 80 Gérard Depardieu rodó profusamente con algunos de los nombres más conocidos del cine francés del momento. Además de Truffaut, Depardieu siguió
trabajando con Bertrand Blier, y fue rostro asiduo de directores como Alain Resnais, Maurice Pialat, Francis Veber o Alain Corneau. Fue nominado al Cesar por
encarnar al revolucionario Danton en “Danton” (1983) de Andrzej Wajda, “Los compadres” (1983) de Veber, “Fort Saganne” (1984) de Corneau, “Police” (1985) de Pialat, “Sous le soleil de Satan” (1987), drama dirigido también por Pialat, “La pasión de Camille Claudel” (1988), película co-protagonizada por Isabelle Adjani y
“Demasiado bella para ti” (1990), film en el cual conoció a Carole Bouquet.

En 1984 Depardieu debutó como director con una adaptación del “Tartufo” de Moliere.

Su protagonismo en la adaptación del clásico de Edmond Rostand dirigido por Jean-Paul Rappeneau, “Cyrano de Bergerac” (1990), ensanchó de manera substancial su fama internacional, especialmente tras ser nominado al Oscar
como mejor actor. La película le granjeó su segundo César como mejor actor del año en el cine francés.
A partir de este momento y aunque de manera muy poco copiosa y con títulos poco importantes, Depardieu comenzó a intervenir en producciones
rodadas en Hollywood, como “Matrimonio de conveniencia” (1990), comedia de Peter Weir co-protagonizada por Andie MacDowell, o “Mi padre ¡Qué ligue!” (1994), remake estadounidense de un film protagonizado en Francia por el propio Depardieu.

También en este decenio el actor francés encarnó a Cristobal Colón en “1492: Conquista del paraíso” (1992), fue Porthos en “El hombre de la máscara de
hierro” (1998), adaptación del libro de Alejandro Dumas dirigida por Randall Wallace, interpretó a Obelix en la superproducción gala “Astérix y Obélix contra César” (1999) y recibió su última nominación a los César con su actuación en “El
coronel Chabert” (1994), película que adaptaba un texto de Honoré de Balzac, escritor que el propio Depardieu encarnó en un telefilme.

En televisión también pudo ser visto en series como “El conde de Montecristo”, de nuevo trasladando a la pantalla un libro de Dumas, o “Los Miserables”, adaptando el clásico de Victor Hugo.
En 1996 Gérard Depardieu se divorció de Elisabeth, con quien ya había roto relaciones años antes.
En 1992 tuvo una hija con la modelo Karine Silla, a la que llamó, en homenaje a Cyrano, Roxanne. Karine es la mujer actual de Vincent Perez, quien también aparecía en “Cyrano de Bergerac”.
En 1997 Depardieu inició una relación con la actriz y modelo Carole Bouquet.

Algunos de sus últimos títulos han sido “Vidocq” (2001), “Astérix y Obélix: Misión Cleopatra” (2002) o “Bon Voyage” (2003), película que le volvía a encontrar con Jean-Paul Rappeneau.

Fuente: http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2581.html

Dangerous Liaisons (Relaciones Peligrosas)

2009-05-30T18:36:00.014-03:00

Marquise Merteuil Her make up

Dangerous Liaisons - Wikipedia:

http://es.wikipedia.org/wiki/Dangerous_Liaisons

Intérpretes:

Glenn Close (Marquise de Merteuil)

John Malkovich (Vicomte de Valmont)

Michelle Pfeiffer (Madame de Tourvel)

Swoosie Kurtz (Madame de Volanges)

Keanu Reeves (Chevalier Danceny)

Mildred Natwick (Madame de Rosemonde)

Uma Thurman (Cécile de Volanges)

La historia se desarrolla en Francia, siglo XVIII. La perversa y fascinante Marquesa de Merteuil planea vengarse de su último amante con la ayuda de su viejo amigo, el Vizconde de Valmont, tan amoral y depravado como ella.

Una virtuosa mujer casada, Madame de Tourvel, de la que Valmont se enamora, se verá involucrada en las insidiosas maquinaciones de la marquesa.

La historia es una adaptación del libro del francés Choderlos de Laclos y de la cual el británico Christopher Hampton se hizo cargo. Su historia logra transmitir fielmente las costumbres y pensamientos de aquella época.

En la película se nos presenta el juego de la seducción y la venganza.

Glenn Close realmente dá una actuación memorable, su personaje es el de la marquesa de Merteuil, una mujer calculadora, fría y vengativa, Close se luce en su personaje, su acompañante John Malkovich no se queda atrás, su papel es el del vizconde de Valmont, un hombre al que le gusta seducir y es igual de calculador que la marquesa, su actuación es de alabarse.

A pesar de que la película tiene a esos dos monstruos de la actuación, tambien destacan Michelle Pfeiffer con una interpretación impecable, Uma Thurman con un personaje un poco sumiso y Keanu Reeves, todos ellos logran mantener el ritmo de la película.

El director inglés Stephen Frears consigue con su película trasladarnos al siglo XVIII, todo está fielmente recreado: los vestuarios, la fotografía y escenarios estan dispuestos para que uno se sienta como si en verdad la película hubiese sido filmada en esa época. Su dirección es maravillosa la cual junto con la extraordinaria banda sonora logran un excelente film, con varias nominaciones a los premios Oscar en al año 1988, en las categorias de mejor película, mejor actriz principal , mejor actriz de reparto, mejor guión adaptado, mejor diseño de vestuario y mejor dirección artística.

Dangerous Liaisons es una excelente versión del libro escrito por Choderlos de Laclos, con una historia bien adaptada, unos personajes interesantes y unos actores que llevan a lo alto la historia, la película se convierte en una de la mejores de la historia del cine.

Fuente: http://elportaldelceluloide.blogspot.com/2008/06/flashback-dangerous-liaisons.html

Anna Magnani

2009-05-16T15:47:00.013-03:00

Roma città aperta

Anna Magnani Tribute: http://www.youtube.com/watch?v=K4Z9m9wvqpY&feature=fvsr

(Roma, 1908 - Roma, 1973)

Tras formarse artísticamente con Silvio D'Amico en la Academia, Anna Magnani debuta en el cine con un papel secundario en "La ciega de Sorrento (La cieca di Sorrento)" (1934) de Nunzio Malasomma.

Mientras se hace famosa en el teatro de revista, logra lucirse en el papel de cabaretera de "Nacida en viernes (Teresa venerdì)" (1941) de De Sica, película con la cual inicia una sorprendente carrera que la llevará a ser la gran actriz del cine italiano de posguerra.

No puede ser la protagonista del viscontiano "Obsesión (Ossessione)" (1943) por estar embarazada, pero sí que participa en la película "Roma ciudad abierta Roma città aperta" (1945) de Roberto Rossellini en la cual interpreta al personaje de Pina, orgullosa y sanguínea mujer del pueblo, con una fuerza y pasión inolvidables.

Su grito final inspiró a Pasolini unos versos espléndidos: "Casi emblema, el grito de la Magnani en nosotros/bajo los mechones desordenadamente absolutos,/renueva en las desesperadas panorámicas,/y en las ojeadas vivas y mudas/se concentra el sentido de la tragedia. Es allí que se disuelve y mutila/el presente, y ensordece el canto de los aedos". Por ese grito, nuestra protagonista se convertirá en mártir de la historia y testimonio admirable de un pueblo que no se deja dominar y resiste hasta sacrificarse.

Para ofrecer de nuevo una interpretación de ese nivel, la Magnani tendrá que esperar a que transcurran algunos años. La oportunidad se la ofrece el amigo Luchino Visconti con "Bellísima (Bellissima)" (1951), en la cual interpreta a una madre que, deslumbrada por los mitos fáciles, lucha para que su hija se convierta en una artista célebre. Sin embargo, con el tiempo se da cuenta de que está equivocada y, por suerte, renuncia a ello: un gesto valiente que ya nadie hará durante los años del boom, cuando incluso los más humildes cambiarán radicalmente, seducidos por el dinero fácil y la televisión. Durante los años siguientes, se afirma como actriz de éxito.

Gana un merecido Oscar con "La rosa tatuata" (1955), rueda películas dramáticas, como el "Infierno en la ciudad (Nella città l'inferno)" (1959) de Castellani, en la cual interpreta a una detenida, o divertidas, como "Llegan los bribones (Risate di gioia)" (1960), en la cual Monicelli recrea el antiguo dueto con Totò.

Su fuerte personalidad destaca de nuevo en "Mamma Roma" (1962) de Pasolini, emotivo homenaje a los valores del subproletariado ante su inminente desaparición, en la cual ella es una prostituta, no tan joven, que desea redimirse por amor de su hijo: terminará llorando desesperadamente sobre su cadáver, maldiciendo un mundo que ya no entiende.

La gran actriz se despide de forma conmovedora y bellísima en los pocos segundos en los cuales aparece en "Roma" (1972) de Fellini: la máquina la sigue hasta el portal de su casa, el director desea interrogarla, pero ella no confía en él.

La puerta se cierra dejando atrás una época y sus representantes: hemos renegado ese pasado que ya no deseamos porque sentimos que no nos pertenece. Como ese rostro intenso y maravilloso, "icono que hemos blasfemado".

Fuente: http://www.italica.rai.it/esp/cinema/biografias/magnani.htm

Ensayo sobre Muriel

2009-05-16T15:31:00.009-03:00

La Distancia

Muriel Santa Ana. Actriz. Integra la orquesta espectáculo AMBULANCIA (http://www.ambulanciasonidopretaporter.com) junto a Mike Amigorena, Mariano Torre, Julián Vilar, Luciano Bonanno y Victor Malagrino, con dirección de Sergio D'Angelo . En teatro trabajó bajo la dirección de Jaime Kogan, Rubén Szuchmacher, Luciano Suardi, Leonor Manso, Betty Gambartes, Vivi Tellas, Emilio García Wehbi.

En el teatro San Martín actuó en los siguientes espectáculos: Tres Hermanas, Galileo Galilei, La ópera de tres centavos, La casa de Bernarda Alba, El pan de la locura y Woyzeck. Integró el elenco de la obra Chicas Católicas. En televisión formó parte del elenco de "Lalola", “Una Familia Especial” y “Juanita la Soltera”. También se desempeña como cantante.

Hyde

2009-05-13T22:11:00.011-03:00

Dr. Jekyll and Mr. Hyde 1920

Director: John S. Robertson.

Año: 1920

País: EE.UU

Estreno: 18 de Marzo de 1920

Interpretes: John Barrymore (Dr. Henry Jekyll/Edward Hyde), Martha Mansfield (Millicent Carew), George Stevens (Poole), Brandon Hurst (George Carew), J. Malcolm Dunn (John Utterson), Charles Lane (Dr. Richard Lanyon), Cecil Clovelly (Edward Enfield)

Guión: Clara Beranger

Fotografía: Roy F. Overbaugh

El Dr. Jekyll es un respetado médico el cual cree que en cada hombre existen dos mitades donde reside el bien y el mal.

Obsesionado con esta idea, empieza a hacer sus experimentos para separar ambas fuerzas.

Lo consigue y logra sacar al exterior su parte oscura y malvada, llamada Mr. Hyde. Sin embargo, Jekyll desconocía la terrible fuerza que se esconde en la maldad, y pronto su personalidad será siendo eclipsada y usurpada por Mr. Hyde.

Película con guión escrito por Clara S. Beranger, y basada en la novela del mismo título del escritor Robert Louis Stevenson, publicada en 1886.

Se estrenó el 28 de Marzo de 1920 en EEUU con un éxito absoluto, protagonizado por el enfant terrible de Hollywood John Barrymore (abuelo de la actriz Drew Barrymore), actor con una leyenda negra de alcoholismo y vida disoluta, algo característico en la familia Barrymore.

Dio vida convincentemente al Dr. Jekyll, en su faceta más humanitaria y amable, y al Dr. Hyde en su faceta más oscura y malvada, mostrando la degradación de la faceta humana de un hombre, Jekyll, famoso por su actitud humanitaria y benefactor de los más débiles.

Los efectos especiales fueron innovadores para la época, ya que no se mostraba la transformacion del Dr. Jekyll en su alter ego Hyde con cortes, como se solía hacer en las distintas versiones cinematográficas de la época, sino que se mostraban en pantalla todos los pasos de la transformación, logrando un efecto aterrador para el público de la época, y para el actual... un proceso fascinante.

Y como algo no extraño para la época del cine mudo, contiene escenas de monocolor, conseguidas gracias a tintes de los fotogramas. En este caso, se usó el color azul para el exterior y el marrón para el interior.

La historia creada por Robert Louis Stevenson es una de las que más veces se han llevado a la pantalla y de las que más han influído, incluso en aquellas otras obras literarias trasladadas al cine o al teatro.

También merece reseñarse que las versiones cinematograficas de la novela de R. L. Stevenson, como esta que nos ocupa, suelen añadir libremente más presencia femenina en las mismas. Novedad que no surge de la novela ya que en estas hay pocos personajes femeninos y ni siquiera tienen importancia en la historia, lo contrario que ocurre en el cine.

Aun así, en esta version de John Barrymore, las mujeres aparecen simplemente como el objeto de deseo, encarnando la tentación y por consiguiente el pecado.

A partir de otras versiones las mujeres tomarán mas importancia y protagonismo, como en la excelente 'El hombre y el monstruo' (1932) de Rouben Mamoulian.

Fuente: http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/998983/%5BDD%5D-Dr_-Jekyll-and-Mr_-Hyde-(1920),-otro-clasico!.html

Sheik

2009-05-10T12:16:00.008-03:00

El mito, cincuenta años después

http://www.elpais.com/articulo/sociedad/OH/VALENTINO/VALENTINO/elpepisoc/19760822elpepisoc_23/Tes/

The Sheik (1921)

http://www.youtube.com/watch?v=cqI6i2VdQ50

"There's a new star in heaven tonigth"

http://www.youtube.com/watch?v=YYTAwdQgePk

Johnny Depp

2009-05-09T13:59:00.016-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=6UWWDrXEEkU

Johnny Depp As The Mad Hatter in Alice in Wonderland - Tim Burton

Inicios y Juventud

Depp nació en Owensboro, Kentucky (9 de junio de 1963), es hijo de Betty Sue, una camarera, y John Christopher Depp, un ingeniero. Tiene un hermano, Danny, y dos hermanas, Christie (quien es su manager) y Debbie. Depp tiene ascendencia alemana, cherokee (de su bisabuela), irlandesa y francesa. La familia se mudaba constantemente durante la niñez de Johnny: él y sus hermanos vivieron en más de veinte lugares diferentes, y cuando se decidieron por Miramar, Florida, en 1970, Johnny tenía 7 años. En 1978, a sus 15 años, sus padres se divorciaron. Se sabe que tuvo una etapa bohemia en la cual se estancó en las drogas. Actualmente, Depp se confiesa "limpio".

Carrera

Empezó su carrera filmográfica en 1984, actuando como Glen Lantz en la película de terror Pesadilla en Elm Street', dirigida por Wes Craven. Ha interpretado roles diversos, como el de un joven con tijeras en lugar de manos en la película de Tim Burton Edward Scissorhands, al director de cine Edward D. Wood Jr. en Ed Wood, a Don Juan DeMarco, un agente encubierto del FBI en Donnie Brasco, al escritor y periodista Hunter S. Thompson en la película de culto Miedo y asco en Las Vegas, un travesti llamado Bon Bon en Antes que anochezca, al autor del clásico Peter Pan, James Matthew Barrie en la película Finding Neverland y al capitán Jack Sparrow en Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra, Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto y Piratas del Caribe: en el fin del mundo. Su popularidad llegó por su papel del joven policía Tommy Hanson en "Nuevos Policías" ("21 Jump Street"), serie estadounidense estrenada en 1987 y que estuvo 5 años en antena.

Una de las colaboraciones más reconocidas es la que forma junto al director Tim Burton. Ha contribuido con éste en seis cintas: Edward Scissorhands, Ed Wood, Sleepy Hollow, Charlie y la fábrica de chocolate, Corpse bride-haciendo la voz de Víctor Van Dort, el protagonista- y Sweeney Todd: el barbero diabólico de la calle Fleet Su próxima colaboración con el director Tim Burton será en la nueva adaptación del clásico, Alicia en el país de las maravillas, donde dará vida al sombrerero loco.

Depp siempre se ha interesado por personajes especiales, que son diferentes de los demás como Edward Scissorhands o Willy Wonka, el chocolatero en Charlie y la fábrica de chocolate, personajes marginados o simplemente diferentes. También se rumorea que encarnará en el cine, al ya desaparecido Freddie Mercury, vocalista y líder de la banda de rock inglesa Queen, aunque se barajan otros nombres, como el protagonista de Borat, Sacha Baron Cohen.

El lunes 18 de febrero de 2008, el portavoz del actor Jude Law informó que éste junto con los actores Johnny Depp y Colin Farrell sustituirían en las escenas finales al fallecido actor Heath Ledger en la película "The Imaginarium of Doctor Parnassus". También se ha dicho que está solicitado para ser Riddler (El Acertijo), villano de Batman, en la secuela de The Dark Knight del director Christopher Nolan.

La productora Infinitum Nihil, de la que Johnny Depp es copropietario, ha adquirido los derechos para la adaptación cinematográfica de la novela 'El manuscrito de Dante', que él protagonizará, según ha informado la revista 'Variety'.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Johnny_Depp

Moby Dick. Ahab, Capitán del Odio.

2009-04-30T12:13:00.021-03:00

Ya hemos dicho en otras ocasiones: hay un interés por el lado turbio del alma. La literatura de nada valdría si no se ocupase, las más de las veces, de los pliegos más desabridos de lo humano. Dejamos hace tiempo en la memoria de la Revelación un escrito en el que nos lanzábamos a la mar, a bordo del Pequod, de la mano de ese inquietante narrador que es Ismael, a la caza de Moby Dick. La Ballena Blanca, el cetáceo por excelencia, una novela de culto, un clásico que, como tal, permite distintos niveles de lectura. Quién no se ha enrolado en las páginas de una edición infantil de esta obra de Herman Melville. Pero una lectura del texto completo, bajo los vientos propicios de una buena traducción ―esto es esencial―, nos muestran la finísima prosa de este escritor norteamericano, erudito pero amable.

El odio existe, está ahí, anida en recovecos nuestros. “Una realidad que se niega es una realidad que se nos rebela”, nos advierte Ortega y Gasset. Sin embargo, una y otra vez, nos vemos tentados a negar el odio, a mirar hacia otro lado cuando éste ocurre. Pero, si hemos de seguir el consejo de Ortega ―por qué no hacerlo, para uno que tenemos que piensa―, desecharemos la tendencia actual que considera que el humano es un animal cándido que, convenientemente educado, da siempre las gracias cuando le traen un café, respeta los turnos de palabra y se coloca en el lugar del prójimo, indefectiblemente, como si los genes lo arrastraran a ello. Lo siento, pero el odio es humano, y diría más: sólo humano. No me hago al ciempiés odiando, ni al ornitorrinco, ni a los olmos ni a las avestruces. Los humanos odiamos, lo mismo que fumamos o amamos o nos aburrimos. Y el capitán Ahab, que consagró su vida a la caza de Moby Dick, es el templo del odio.

En el momento en el que la novela acontece, Ahab tiene cincuenta y ocho años. Han pasado cuarenta desde que mató a su primera ballena, y de estos, sólo tres los ha vivido en tierra. Treinta y siete años, pues, navegando los siete mares, cazando ballenas, sacándoles el ámbar de sus entrañas, obteniendo el preciado esperma de sus cabezas, esa sustancia que, al parecer, estos animales usan para modular sus inmersiones y que, debido a su parecido con el líquido seminal, recibió ese nombre.

Moby Dick, terror marino, arrancó una pierna a Ahab, y desde entonces éste no ha dejado de incubar odio. Ahab odia profundamente, no sabe hacer otra cosa, y él mismo es consciente, lo reconoce:

“Para mí, la Gran Ballena es aquel muro, puesto delante de mí. Algunas veces pienso que no hay nada detrás. Pero es suficiente. Ella me abruma, me agobia; veo en ella una fuerza abusiva, fortalecida por una malicia inescrutable. Principalmente, es esa cosa inescrutable la que yo odio; y ya sea la Ballena Blanca el agente o bien que la Ballena Blanca sea la protagonista, descargaré mi odio sobre ella”.

El odio de Ahab ha cobrado tales dimensiones, se ha instalado de tal manera en sus entrañas, que el mero sentimiento no es suficiente. La fijación por el cetáceo es tal que se eleva a categoría religiosa. Ahab ha creado una liturgia personal que canaliza y articula su odio. Así, la cubierta del Pequod se convierte en una ermita marina, descubierta, de salitre, en la que él mismo se llega a comparar con el Papa católico y oficia el rito delante de la tripulación. Ahab, sacerdote ya del odio, sumo pontífice de la caza de la Ballena Blanca, bendice a sus arponeros:

“Encomendaos a estos cálices mortíferos. Ofrecedlos, ya que ahora sois parte de esta alianza indisoluble. ¡Ah, Starbuck! La hazaña está hecha. Aquel sol ratificante aguarda ahora para posarse sobre ella. ¡Bebed, arponeros! ¡Bebed y jurad!, marineros que tripuláis la mortal proa ballenera: ¡muerte a Moby Dick! ¡Que Dios nos dé caza a todos si no cazamos a Moby Dick hasta matarla!”.

Bebed y jurad, ora. Tomad y bebed, resuena en nuestros oídos una letanía parecida.

Habitualmente, se expone al amor como contraposición del odio. Pero es esta una valoración que no resiste un examen somero. El amor es volátil, está sujeto a caprichos; los objetos o personas amadas suelen cambiar, a veces sin que el amante detecte estas mudanzas inmediatamente. El amor, en definitiva, se nos antoja como un efecto hormonal que, por tanto, más se parece a un dictado ajeno a nuestras voluntades. Sin embargo, el odio es premeditado, alevoso, voluntarioso. No sabemos nada de la fidelidad de quienes nos aman: pero estamos completamente seguros del odio de quienes nos odian. El amor, por tanto, no es la contraposición del odio, sino algo ajeno y completamente distinto: en consecuencia, pueden convivir en un mismo ser. La otra cara de la moneda del odio es la desidia, la falta de voluntad. No existe un ser que odie que se deje llevar por el desánimo ni la pereza. Colocadle al indolente un odio a la vista y saltará de su perezoso sofá, removerá los cimientos de la tierra y conspirará con una paciencia y una lucidez que lo harán digno de convertirse en general de Alejandro.

De nuevo, Ahab es paradigmático en su odio. Observemos hasta dónde puede llegar su voluntad:

“¡Venid y ved si podéis desviarme de mi propósito! ¡No podéis desviarme […]! El sendero que me conduce a mi propósito fijo tiene raíles de hierro, en donde mi alma está lista para correr. Sobre los inseguros desfiladeros, a través de los estriados corazones de las montañas, bajo cauces torrentosos, me precipito infaliblemente. ¡Nada es un obstáculo! ¡No hay sesgos para el camino de hierro!”.

¿Qué quedaría de Ahab si le extirpáramos su fijación por Moby Dick? Probablemente, nada. Un señor de cincuenta y ocho años que contaría los días que restan para su jubilación, una nadería viendo pasar los días de forma circular y monótona: un ser humano más, entre tantos millones de seres anodinos y sin objetivo vital. Quitarle a Ahab el odio es como quitarle la H: es desarmarlo, desalmarlo.

Coherentemente, si un odio es despertador de voluntades, es porque está presente de continuo en la mente del que lo ejerce. Moby Dick no sólo es la identificación de todos los males del capitán Ahab, sino que parece inusualmente enorme y llega a considerársela una superstición: se dice de ella que es inmortal y, lo que más nos importa, omnipresente. Ni siquiera cuando la vigilia deja paso al sueño reparador, Ahab encuentra descanso. No es raro que duerma sentado en una silla, en posición erecta, con la cabeza echada hacia atrás y los ojos apuntando a la brújula de la cabina, donde los capitanes se informan desde abajo del curso del barco.

El odio como religión, entonces. Y, en vez de bendecir panes, vinos, cruces o litros de agua fresca, el rabino Ahab bendice su arpón, haciendo posar sobre el hierro candente su más demoníaco latín: “Ego non baptizo te in nomine Patris, sed in nomine diaboli”: no en el nombre del Padre, sino en el nombre del diablo.

Ya sabemos cómo terminó Ahab, hundiéndose en lo más profundo de los océanos, enredado entre las cuerdas que se habían lanzado contra Moby Dick junto a los arpones. Pero este desenlace fatal ya es algo que veíamos venir desde el principio de la narración, cuando Ahab, aún con más de setecientas páginas por delante, admite haber perdido el gusto por el tabaco y arroja su pipa al mar, jurando que no volverá a fumar. Alguien a quien el odio ha llevado a este extremo, es alguien perdido.

¿Podemos concluir entonces que el odio está dentro de nosotros? Después de lo dicho, convengamos, mejor, que es Ahab el que vive en nuestras entretelas, y que todos, azuzados con destreza, podemos llegar a convertirnos en un Ahab iracundo que fuma en cubierta pendiente de la aparición de Moby Dick. Cuidado, Ahab nos acecha. Como una fuerza cósmica, irracional, como una demoledora Ballena Blanca.

Fuente: http://la2revelacion.com/?p=134

Picasso

2009-04-30T10:55:00.008-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=CkRS3wDg1xU

Guernica 3D: http://www.youtube.com/watch?v=eKVCov-XFXw&eurl=http%3A%2F%2Fwww%2Evideos%2Dstar%2Ecom%2Fwatch%2Ephp%3Fvideo%3DeKVCov%2DXFXw&feature=player_embedded

Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.
Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo.
Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació el 25 de octubre de 1881, en el n.º 36 de la plaza de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el pintor vasco José Ruiz Blasco y la andaluza María Picasso López. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e hijo, que ambos cultivaban con devoción. El niño era un escolar menos que discreto, bastante perezoso y muy distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo, que don José estimulaba.
En 1891 la familia se traslada a La Coruña, en cuyo Instituto da Guarda son requeridos los servicios del padre como profesor. Pablo inicia sus ensayos pictóricos, y tres años más tarde su progenitor y primer maestro le cede sus propios pinceles y caballetes, admirado ante el talento de su hijo. En 1895, Ruiz Blasco obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de la Llotja de Barcelona.
Pablo resuelve en un día los ejercicios de examen previstos para un mes, y es admitido en la escuela. En 1896, con sólo quince años, instala su primer taller en la calle de la Plata de la Ciudad Condal.
Dos años más tarde, obtiene una mención honorífica en la gran exposición de Madrid por su obra Ciencia y caridad, todavía de un realismo académico, en la que el padre ha servido de modelo para la figura de un médico. La distinción lo estimula a rendir oposición al curso adelantado en la Academia de San Fernando, mientras sus trabajos, influenciados por El Greco y Toulouse-Lautrec, obtienen nuevas medallas en Madrid y Málaga.
En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de Barcelona. Finalmente, en el otoño del año 1900 hace una visita a París para ver la Exposición Universal. Allí vende tres dibujos al marchante Petrus Mañach, quien le ofrece 150 francos mensuales por toda su obra de un año. Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno. En 1901 coedita en Madrid la efímera revista Arte Joven, y en marzo viaja nuevamente a París, donde conoce a Max Jacob y comienza lo que luego se llamará su «período azul». Al año siguiente expone su primera muestra parisiense en la galería de Berthe Weill, y en 1904 decide trasladarse definitivamente a la capital francesa.
Picasso y Miró en el pabellón españolde la Feria Internacional de París (1917)
Picasso se instala en el célebre Bateau-Lavoir, en el número 13 de la calle Ravignan (hoy plaza Hodeau), alojamiento variadamente compartido por artistas sin blanca, entre otros el también español Juan Gris. Allí, Pablo traba amistad con Braque y Apollinaire, y se enamora de Fernanda Olivier. Durante tres años pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne, mientras elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico, cuya gran obra experimental, Las señoritas de Aviñón, es pintada por Picasso en 1907.
Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe todos los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz inventor expone en Munich (1909) y en Nueva York (1911). Pablo ha encontrado una nueva compañera en Marcelle Humbert, y siempre seguido por Braque, se lanza a inventar el cubismo sintético, que los acerca al borde de la abstracción (en su extensa y tan variada obra, Picasso jamás llegaría a abandonar la figuración). Poco después, se muda de Montmartre a Montparnasse, y se abren exposiciones suyas en Londres y Barcelona.
En 1914, con la guerra, llegan las tragedias: Braque y Apollinaire son movilizados, y Marcelle muere súbitamente ese otoño. Pablo abandona prácticamente el cubismo, y busca otros caminos artísticos. Los encuentra en 1917, cuando por medio de Jean Cocteau conoce a Diáguilev, que le encarga los decorados del ballet Parade de Eric Satie. El fin de la guerra le trae un nuevo amor, la bailarina Olga Clochlova, y también un nuevo dolor: la muerte de Apollinaire a consecuencia de una grave herida en la cabeza. Se casa con Olga en 1918, y hasta 1925 trabaja en diversos ballets que dan cauce a su evolución pictórica.
Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el millonario premio Carnegie de 1930, que le permite adquirir una suntuosa villa campestre en Boisgelup, y pasarse más de un año viajando por España. Por entonces vuelve a la escultura y mantiene un romance con Teresa Walter, del que nace su primera hija, Maya. La Clochlova inicia un escandaloso juicio para conseguir el divorcio, que el juez se niega a conceder. Despechado, Picasso se enamora de Dora Maar.
Al estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937 pinta el Guernica en París. Dos años después se realiza una gran exposición antológica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el triunfo de los nacionales y la posterior ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando en su refugio de Royan.
En 1944, se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía y por la joven y hermosa pintora Françoise Guillot, con la que convive hasta 1946. Se inicia así su etapa de Vallauris, en la que trabaja en sus magníficas cerámicas. Con Françoise tendrá dos hijos: Claude, nacido en 1947, y Paloma en 1949.
En 1954, el infatigable anciano se fascina por una misteriosa adolescente de delicado perfil y largos cabellos rubios llamada Sylvette D., que acepta posar para él a cambio de uno de los retratos, a su elección. El trato se cumple y su resultado produce algunas de las obras más conocidas y reproducidas del pintor, como el famoso perfil de Sylvette en la butaca verde.
Si la fascinación por la etérea Sylvette había sido platónica, no tuvo el mismo cariz su atracción por Jacqueline Roqué, joven de extraodinaria belleza a la que tomó como compañera en 1957, un año antes de pintar el gigantesco mural para la UNESCO. Fértil milagro del arte y de la vida, Picasso seguirá creando, amando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973. Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal de nuestro siglo, y una fabulosa herencia que provocó agrias disputas hasta recaer en un ser de pacífico nombre: Paloma, su hija.
Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/monografia/picasso/

Gelsomina

2009-04-28T00:03:00.006-03:00

http://www.italica.rai.it/esp/cinema/peliculas/strada.htm

La Strada (1954)

Recorriendo el mundo con su espectáculo, el vigoroso Zampanò conoce por casualidad a una pobre y numerosa familia campesina, que le vende por poco dinero a la graciosa Gelsomina.

Violento y posesivo, Zampanò obliga a la chica a acompañarlo en sus actuaciones, en las cuales la ridiculiza sin escrúpulos mientras él parte cadenas ante un público incrédulo.

Gelsomina, tímida e ingenua, no reacciona a los malos tratos de este hombre grosero y brutal. En una de sus paradas, entran a trabajar en un circo donde la joven hace amistad con el Loco de la compañía, cuya sincera benevolencia le devuelve la confianza en sí misma y la convence de apelar a la belleza de su ánimo, lo único que puede vencer la prepotencia de su amo e incluso rescatarlo de su ignorancia.

Zampanò, al descubrir el tierno entendimiento entre los dos, estalla en un ataque de celos. Fuera de sí, arremete contra el Loco, lo mata y tira el cuerpo bajo las ruedas de un tren.

Gelsomina, que ha presenciado el crimen, se encierra en un dolor lacerante que la arrastra lentamente hacia la locura. Día a día sus condiciones empeoran y el asesino, atenazado por el remordimiento y por el miedo a que lo descubran, la abandona en la calle.

Los años pasan y la vida de Zampanò transcurre triste y solitaria. Un día, el hombre se entera incidentalmente de la muerte de la pequeña Gelsomina y, trastornado por la noticia, cae de rodillas en una playa desierta.

Al comprender sus propios errores, el frío corazón de Zampanò se quiebra ante las violentas olas del mar, dejándolo solo, sollozante y apretando angustiosamente un puñado de arena.

Fuente: http://www.italica.rai.it/esp/cinema/peliculas/strada.htm

Giulietta Massina

Giulietta Masina, nació en 1920 y falleció en 1994, un año después que su marido, Federico Fellini, con quien trabajó principalmente en sus primeras películas, y a la que artísticamente se la ha ligado. Pero aunque es cierto que su trabajo con Fellini es probablemente lo más notable de su filmografía, también apareció en otras películas del cine italiano, así como en el Landru de Chabrol y en la discutida versión que de La loca de Chaillot filmó Brian Forbes en la misma década.

Pero por muchas películas que hiciera, hasta que finalmente fue espaciando sus apariciones en la pantalla ya a principios de los setenta, para regresar sólo muy de tarde en tarde, será para siempre Gelsomina.

Poquísimas veces se ha producido en pantalla una magia similar a la que desplegó Masina como actriz en su encarnación (y creo que ésa es la palabra, en vez de interpretación) de Gelsomina, la muchacha algo retrasada, la joven que sigue siendo una niña por dentro, que no conoce el sexo, ni el amor, que se ha criado recibiendo golpes de unos y de otros, y que es entregada a un miserable que la usa como objeto sexual, la trata aún con más golpes y la esclaviza en un patético espectáculo circense de carretera.

Masina interpreta a Gelsomina con unos ojos tan expresivos que no se puede permanecer indiferente ante aquella mirada. Es una niña, una pequeña payasa, una muchacha que sufre pero se alegra con cualquier tontería (el ruido de una trompeta, por ejemplo). Si se seleccionasen las cinco mejores interpretaciones de la historia del cine, no sé si figuraría como la primera, pero entre las cinco no podría faltar Giulietta Masina y su Gelsomina.

Por lo demás, el paso por la vida de esta actriz italiana fue silencioso, discreto, callada esposa al lado del marido, interpretando personajes suaves, dulces, sufrientes, malogrados, tristes.

La Masina tenía la mirada más celestial de toda la historia del cine.

¿La mirada de Gelsomina o de Giulietta?

Quizá no haya diferencia.

Fuente: http://pfjcplanells3.spaces.live.com/blog/cns!245C34DA2DB9AB61!1014.entry

Allá lejos y hace tiempo: Jugando a pintar...

2009-04-25T03:40:00.015-03:00

Gracias Alicia!!!!

Poe

2009-04-25T02:45:00.010-03:00

"Creo que Dios me dio una chispa de genio -manifestó unas semanas antes de morir-; pero la apagó en la miseria."

http://www.lamaquinadeltiepo.com/Poe/indexpoe.htm

(Boston, EE UU, 1809-Baltimore, id., 1849) Poeta, cuentista y crítico estadounidense. Sus padres, actores de teatro itinerantes, murieron cuando él era todavía un niño. Edgar Allan Poe fue educado por John Allan, un acaudalado hombre de negocios de Richmond, y de 1815 a 1820 vivió con éste y su esposa en el Reino Unido, donde comenzó su educación.

Después de regresar a Estados Unidos, Edgar Allan Poe siguió estudiando en centros privados y asistió a la Universidad de Virginia, pero en 1827 su afición al juego y a la bebida le acarreó la expulsión. Abandonó poco después el puesto de empleado que le había asignado su padre adoptivo, y viajó a Boston, donde publicó anónimamente su primer libro, Tamerlán y otros poemas (Tamerlane and Other Poems, 1827).

Se alistó luego en el ejército, en el que permaneció dos años. En 1829 apareció su segundo libro de poemas, Al Aaraf, y obtuvo, por influencia de su padre adoptivo, un cargo en la Academia Militar de West Point, de la que a los pocos meses fue expulsado por negligencia en el cumplimiento del deber.
En 1832, y después de la publicación de su tercer libro, Poemas (Poems by Edgar Allan Poe, 1831), se desplazó a Baltimore, donde contrajo matrimonio con su jovencísima prima Virginia Clem, que contaba sólo catorce años de edad. Por esta época entró como redactor en el periódico Southern Baltimore Messenger, y más tarde en varias revistas en Filadelfia y Nueva York, ciudad en la que se había instalado con su esposa en 1837.

Su labor como crítico literario incisivo y a menudo escandaloso le granjeó cierta notoriedad, y sus originales apreciaciones acerca del cuento y de la naturaleza de la poesía no dejarían de ganar influencia con el tiempo. La larga enfermedad de su esposa convirtió su matrimonio en una experiencia amarga; cuando ella murió, en 1847, se agravó su tendencia al alcoholismo y al consumo de drogas, según testimonio de sus contemporáneos. Ambas fueron, con toda probabilidad, la causa de su muerte.

La obra de Edgar Allan Poe
Según Poe, la máxima expresión literaria era la poesía, y a ella dedicó sus mayores esfuerzos. Es justamente célebre su extenso poema El cuervo (The Raven, 1845), donde su dominio del ritmo y la sonoridad del verso llegan a su máxima expresión. Las campanas (The Bells, 1849), que evoca constantemente sonidos metálicos, Ulalume (1831) y Annabel Lee (1849) manifiestan idéntico virtuosismo.

Pero la genialidad y la originalidad de Edgar Allan Poe encuentran quizás su mejor expresión en los cuentos, que, según sus propias apreciaciones críticas, son la segunda forma literaria, pues permiten una lectura sin interrupciones, y por tanto la unidad de efecto que resulta imposible en la novela.

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/poe.htm

Lucía

2009-04-25T02:33:00.002-03:00

Piluso

2009-04-25T02:18:00.015-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=9DUUevzdJ7E&feature=related

“El Capitán Piluso fue una de esas cosas increíbles, que uno nunca imagina que van a tener tanto éxito...”
Aseguró una vez Alberto Olmedo, el actor que le puso la cara, los gestos cómplices, la gomera, el gorrito y la cartuchera sin revólver al mítico personaje.

Algo de Historia:

Manuel M. Alba, gerente general de la Compañía Argentina de Televisión que administraba el flamante Canal 9, fue quien tuvo la idea de un microprograma infantil de cinco minutos. Y pensó en Olmedo porque recordaba las travesuras de Joe Bazooka, el primer personaje que interpretó el actor.

“Contesté que sí, por supuesto, y entonces me dijo que me buscara quien me hiciera el libro”, recordó una vez Olmedo. “Yo había conocido a Coquito (Humberto Ortiz, fallecido en 1982) en uno de mis programas anteriores y nos habíamos hecho bastante amigos; sabía que él escribía y le pedí que me hiciera los libretos. Aceptó, y luego aceptó también incorporarse al programa como un marinerito. Así fue como empezamos a trabajar juntos”.

Según el director Edgardo Borda, el nombre de Piluso fue también idea de Alba, porque “el mecánico que le arreglaba el auto tenía ese apellido”. El cargo de capitán se le ocurrió a Abrahamson. Al principio, Olmedo sólo presentaba los dibujos animados de “El oso Yogui”, pero enseguida el personaje de Piluso comenzó a crecer. El éxito fue inmediato y el programa pronto pasó a tener una hora de duración. “Coco ya no podía escribir un libreto porque era para volverse loco, así que empezamos a hacer el programa en base a ciertas pautas”, afirmaba Olmedo. “Llegamos a conocer tanto a los chicos que trazábamos unos esquemas diarios y salía una hora de programa.

Así, además, era más espontáneo, más fresco y más divertido. Hasta nosotros nos divertíamos de las cosas que se nos ocurrían sobre la marcha”. Las cosas que se les ocurrían podían ser recetas espantosas, llenas de harina, que los chicos seguían a pie juntillas en sus casas; bromas a Coquito en las que Piluso contaba con la complicidad de los pibes sólo con guiñar el ojo a cámara; y hasta las indicaciones para desarmar un teléfono, que provocó desastres en los aparatos de la época...

Sobre Alberto Olmedo:

Gran actor cómico argentino, maestro de la improvisación. Nació en un conventillo de la ciudad de Rosario y pasó su infancia trabajando para vivir. En 1948, ingresó en un grupo de teatro vocacional y, 6 años después, viajó a Buenos Aires para probar suerte. Comenzó a trabajar como técnico en el canal 7 de televisión y, cuando los directivos del canal lo descubrieron haciendo un show para entretener a sus compañeros, decidieron contratarlo para actuar. Participó en diferentes programas hasta que en la década del '60 nació el "Capitán Piluso", personaje que lo llevó a la fama. El "Negro" Olmedo actuó en 44 películas, hizo teatro de revistas y creó innumerables personajes para sus shows en televisión. Se inició con un personaje para niños, el recordado Capitán Piluso. En los años 60, junto con su inseparable compañero Coquito, generaron un mensaje para los niños, un discurso basado en la sencillez, el humor inocente y también con elementos básicos que integraban la vida cotidiana de los niños. En la rutina presentada por la pareja no faltaba la recomendación de tomar la leche, mientras se alternaba este mensaje con travesuras e ideas que realizaba el Capitán con su compañero Coquito.

Éste fue el único personaje de Olmedo dirigido al público infantil, ya que luego incursionó en una propuesta para un público mayor. Fue por mucho tiempo el personaje con el que se identificó al cómico y hasta hoy en día es recordado. El Capitán Piluso acompañó a tres generaciones, ya que también fue reconocido por los padres de sus seguidores. Luego de la magia de este personaje que perduró hasta los años 70 en televisión, Alberto Olmedo realizó producciones cinematográficas y algunos ciclos televisivos. como Operación Ja Ja, donde se popularizó su personaje Rucucu.

En referencia a Piluso, Olmedo decía en una entrevista:
"El Capitán Piluso es la encarnación del mundo lleno de fantasías de los niños, es decir, el hombre que ellos imaginan. Un héroe de ficción íntimamente ligado a su razonamiento especialísimo y a su universo singular, lleno de constantes hallazgos. Estoy seguro de que la clave de Piluso entre los niños se debe a que a ellos les encanta la circunstancia de que lo comprenden fácilmente, pues lo consideran un muchachón que piensa como ellos y que dice, exactamente, lo que a ellos les gusta decir."

Fuente: http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/1904807/El-Capitan-Piluso-(Historia-y-Videos).html

Edward Scissorhands (El Joven Manos de Tijeras)

2009-04-23T20:45:00.015-03:00

http://www.youtube.com/watch?v=EqKonfw4pJE

http://www.youtube.com/watch?v=BA7EDoeB0Kw&feature=related

Eduardo Manostijeras

Cuento de hadas dirigido, producido y escrito por Tim Burton en el año 1990. Con esta película me enamoré definitivamente de Burton como director. Es una historia para adultos con alma de niños, una vez más vuelve a tener como protagonista a un personaje que se desvía de lo que todo el mundo llama normal, y que es discriminado por su aspecto físico (su extrema palidez y sobretodo por el hecho de que en vez de manos tiene tijeras). En esta película se habla de la bondad de algunas personas que miran más allá del aspecto, que buscan en lo profundo del alma, que no se dejan llevar por lo que opinan los demás.

Para el desarrollo de este cuento contó con actores como Johnny Depp, con él que coincide en otras dos películas; con Winona Ryder, Lydia en Bitelchus; Diane Weist que es una actriz que con su dulce cara nos hipnotiza y parece que no podría romper un plato, pero nada más alejado de la realidad, ya que también hace a la perfección el papel de super mala; y con la inestimable colaboración de Vincent Price, héroe de infancia de Tim Burton, como había escenificado anteriormente en el corto Vicent.

La película cuenta la historia de un inventor (Vincent Price) que quiere crear un ser humano, pero que muere antes de finalizar totalmente su trabajo, ya que crea un hombre pero que en vez de manos tiene tijeras. El fallecimiento repentino de su creador y padre deja a Eduardo indefenso y ajeno a lo que ocurre en el mundo exterior, nunca ha salido de la mansión donde fue creado.

Eduardo (Johnny Depp) permanece aislado en su mundo hasta que llama a su puerta una representante de Avon (Diane Weist), que se compadece de su soledad y se lo lleva a vivir con ella y su familia a su casa. En un principio todo el mundo lo rechaza como un bicho raro aunque después sobresaldrá como un peluquero muy fashion y cortador de arbusto muy original dando distintas formas a los arbustos del vecindario.

En la casa de su protectora conocerá a su hija (Winona Ryder) de la que se enamora. En un principio ella lo rehuye, pero finalmente descubre toda la ternura y cariño que él guarda. Al novio de la chica no le hace mucha gracia la relación que ésta tiene con Eduardo, lo cual producirá bastantes problemas en la vida del protagonista, repercutiendo negativamente en la imagen que el vecindario tiene sobre él.

Esta película es un cuento para niños y no tan niños, es un grito contra la intolerancia de la mayoría. Nos muestra el hecho de que en muchas ocasiones lo diferente es mejor que lo que se denomina normal.

Fuente: http://norilda.iespana.es/eduardomanostijeras.html

Trabajos realizados en las clases de Dibujo y Pintura de Ramiro Rossi

2009-04-22T22:41:00.013-03:00

GREAT ROMANIAN PERSONALITIES IN THE WORLD GRAPHIC ART edition 2008-2009

http://www.caricatura.ro/mary.reyt.htm

Geo Bogza

(Lápiz Negro y Pastel Blanco sobre Cartulina)

Victor Ion Popa

(Acrílico sobre Cartón)

Nicolae Paulescu

(Lápiz Sanguina y Pastel Blanco sobre Cartulina)

George Bacovia

(Lápiz Negro y Pastel Blanco sobre Cartulina)

Mateiu Caragiale

(Pastel sobre Cartulina)

Mateiu Caragiale

(Pastel sobre cartulina)

Otros trabajos

Harry Potter: Gama Cálida

(Pastel sobre Fibrofácil)

Harry Potter: Gama Fría

(Pastel sobre Fibrofácil)

Práctica sobre un cuadro de Durero

(Pastel sobre Fibrofácil)

Pastel sobre Fibrofácil

Dibujo a lápiz